Movilizan la escena artística

Texto: Arturo Emilio Escobar  Fotos: Sergio Bejarano

 

Los circuitos de galerías en las grandes metrópolis impulsan el desarrollo de la escena artística contemporánea, movilizando a los entusiastas de este universo hacia los espacios que acercan, muestran y promueven tanto a figuras consolidadas como a talentos emergentes.

“Partimos de la idea de que las galerías y los espacios en donde se encuentran éstas son fundamentales para la producción y exhibición de la propuesta artística, incluso son esenciales para la conversación en torno a las obras y los creadores contemporáneos”, reconoce Ricardo Porrero, director de Gallery Weekend CDMX.

“El esfuerzo que hacemos es darle esa centralidad que la galería merece, facilitando los diálogos para mostrar su programa, sus creadores y conceptos, con lo cual puedan reforzar los vínculos con la comunidad del arte, pero también con su localidad, con los vecinos y el resto de ciudadanos interesados en esta labor”.

Este formato invita al público a ver muestras detrás de las cuales hay una curaduría, una historia y el planteamiento de un recorrido, entonces, “es más comprensivo ver el arte en el contexto de su producción —en algunos casos— o en el contexto de su exhibición, que otros formatos que hoy también son populares, incluidas las redes sociales”.

En su séptima edición, Gallery Weekend es la oportunidad donde los coleccionistas —ya sean los habituales  o quienes se inician en esa pasión— entran en contacto con los creadores y sus proyectos, acercándose sin tanto protocolo para intercambiar ideas sobre su mundo, inquietudes y canales de expresión. “Algo que pasa en las galerías y que no sucede en otros lugares es que el artista está presente y quiere convivir con el público, responder preguntas y tener conversaciones, una particularidad que, sin duda, enriquece la experiencia”.

Del próximo 5 al 8 de septiembre, GWCDMX propone diversos recorridos, según los circuitos que se forman al recorrer las colonias San Ángel, Lomas, Polanco, San Miguel Chapultepec, Condesa, Escandón, Roma, Juárez, San Rafael y Santa María la Ribera. Este año participan 31 galerías de la Ciudad de México, tres galerías del interior de la República, cuatro espacios independientes y dos proyectos especiales.

“Para bien o para mal, Gallery Weekend creció como una iniciativa independiente y privada, nunca ha dependido de fondos gubernamentales, por lo cual el cambio que hay hoy en la política no nos impacta de manera directa. Vivimos en un país donde la inestabilidad es una constante, entonces ¿qué vamos a hacer? Seguir adelante, cada año hay que lidiar con situaciones particulares”.

Seguimos convencidos de que la mejor forma de ver arte sigue siendo en una exposición, y para hacerlo hay que ir a las galerías; espacios que han trabajado por largo tiempo para promover a sus artistas, ya que son grandes facilitadores para el desarrollo de sus carreras" - Ricardo Porrero

Kerstin Erdmann – Galería OMR

Nuestro reto es acercar el arte contemporáneo a provincia, una palabra horrible porque al final es todo el país menos la Ciudad de México. El panorama fuera de la capital es diverso y valioso" - Kerstin Erdmann 

Con un perfil tan diverso como los propios seres humanos, los participantes de Gallery Weekend

muestran un compromiso a largo plazo con sus artistas. El formato, que se ha vuelto un referente en ciudades como Barcelona, Berlín, Ámsterdam, Bruselas y Chicago, congrega a coleccionistas, curadores y a un público creciente de aficionados que acuden a diversos espacios; entre los consolidados en nuestra metrópoli está la Galería OMR, que fue fundada en 1983 por Patricia Ortiz Monasterio y Jaime Riestra.

“La Ciudad de México tiene la plataforma para celebrar un formato como Gallery Weekend, que ha demostrado que funciona. Personalmente fui al de Beijing y Berlín, entonces he visto cómo se activan los circuitos artísticos, por lo que espero en el futuro también inviten a galerías del extranjero para presettarse aquí”, comparte Kerstin Erdmann, directora de la Galería OMR. “Hay instituciones como la casa de subastas Sotheby’s, Travesías y la Universidad Centro que organizan recorridos para que la gente aproveche un fin de semana con diversas exposiciones, conociendo a los artistas”.

OMR se encuentra en un momento muy interesante, pues vive la transición de una generación a otra. “El cambio de sede y de dirección demuestra que existe una visión reloaded. Cristóbal y yo somos los directores de esta nueva etapa, obviamente queremos honrar lo que construyeron sus padres, pero también buscamos acercar a un público más joven, tener presencia internacional y fortalecer los diálogos con nuestros artistas existentes, incluso con nuevos creadores de otras regiones”.

LO QUE VIENE

Who Writes? Es la exposición que inauguran el 6 de septiembre dentro de GWCDMX, la cual creará un vínculo entre artistas latinoamericanos y del continente asiático.

De alguna manera, Shilpa Gupta (India, 1976); Adriana Lara (México, 1978); Michael Lin (Taiwán, 1964); Jorge Méndez Blake (México, 1974); Ariel Schlesinger (Israel, 1980) y Maria Taniguchi (Filipinas, 1981) construirán una energía que fluye con gran diversidad.

“¿Quién escribe? ¿Para quién es que la escritura se realiza? ¿Bajo qué circunstancias?”, fueron preguntas originalmente planteadas por Edward Said para iniciar un debate sobre las políticas de la interpretación.

Partiendo de ese cuestionamiento, la muestra curada por Jo Ying Peng reúne artistas de distintas regiones, cuyas obras se encuentran cargadas de sensibilidades tanto políticas como poéticas, en respuesta a sus propios entornos.

No obstante, en este encuentro multilingüe, los diálogos entre el yo y el otro, individuo y colectivo, memorias y narrativas, manifiestan —a través de sus creaciones— nuevos y liberadores horizontes.

“En este intercambio cultural está implícita nuestra misión para los siguientes cinco años: crecer nuestra presencia en Asia y, personalmente, algo sumamente emocionante es que dirigiré una nueva maestría de Arte Contemporáneo, Mercados y Negocios, con la universidad Centro y Sotheby’s Art Institute, que será la primera en Latinoamérica, lo que refrescará nuestra visión en OMR”

Armando Martínez – ArtSpace México

Llevamos siete años, pero al principio nos costó mucho trabajo entablar un diálogo Queer, porque se trata de una visión sobre la diversidad y la estética del cuerpo, mirándonos como individuos, donde no todo es hermoso" - Armando Martínez 

En esta, su séptima edición, Gallery Weekend contará con la participación de espacios independientes que invitarán al público a conocer de primera mano los procesos creativos y curatoriales detrás de cada muestra, a la vez que presentarán una forma diferente de relacionarse con otros temas.

“Un fin de semana dedicado a las galerías es un escaparate muy importante, porque podemos difundir nuestro concepto y el discurso de los artistas. En ArtSpace buscamos otra estética de lo contemporáneo, lo cual nos da la oportunidad de que otro público, con otro perfil e intereses, nos visite y nos pueda consumir”, explica

Armando Martínez, director de ArtSpace México, un espacio ubicado en Campeche 281, colonia Hipódromo.

Nuestro país, advierte, tiene una gran diversidad en cultura y creación artística, virtudes que resultan fundamentales para un proyecto que lleva poco tiempo de haberse fundado. “Somos una galería Queer enfocada a la diversidad, a explorar otras estéticas, por lo cual buscamos diferentes medios, no binarios, con los que impulsamos esta nueva corriente. Proponemos muestras que reflejan una expresión de género, que no se conforman con la sociedad heteronormada, sino con una posición de crítica atenta a los procesos de exclusión y de marginación de ciertos sectores sociales por medio del arte transgresor, del arte emergente”.

OTRAS PERSPECTIVAS

ArtSpace México ofrece nuevas interpretaciones de la sexualidad humana, la belleza, la identidad, la muerte y las minorías, ante las cuales el espectador no podrá más que pensar su propia relación con éstas.

Ahora presentan dos proyectos que conforman la muestra individual de Nelson Morales: The Mexican is a Queen. En el primero, el fotógrafo istmeño emplea el autorretrato para encarnar una galería de masculinidades y feminidades a partir del uso lúdico de la ropa con diversos accesorios, maquillaje y cierta ración de desnudez. A su vez, Queens es parte de su extenso trabajo sobre la identidad muxhe que Morales inició hace ocho años, plasmando la fascinación de las muxes por los certámenes de belleza, episodios que las afirman en el ejercicio incesante de su identidad de género.

Arturo Delgado – ALMANAQUE fotográfica

Hacemos un trabajo de investigación, curaduría, promoción e importación... Eso le da valor conceptual y económico a la obra" - Arturo Delgado 

Los creadores hacen formidables lecturas de la actualidad, desde ópticas muy particulares, por eso el arte ha sido siempre un muy buen termómetro y un lugar desde donde observar lo que está sucediendo en nuestro contexto, en nuestro tiempo, con un enfoque incisivo, muy profundo, serio o no, pero riguroso, que sacude nuestro pensamiento.

“La escena artística, como todas las del ser humano, se transforma constantemente y más en esta época en la cual el mundo está cambiando dramáticamente. Aunque las ferias de arte tienen un gran auge, las audiencias lo están entendiendo un poco más como entretenimiento, donde van a disfrutar de las propuestas de los diferentes autores y las galerías del mundo que estén presentes”, analiza Arturo Delgado, director de ALMANAQUE fotográfica.

“No obstante, cada vez son menos los visitantes que compran y coleccionan, por eso es importante hacer conciencia de que, para que exista una escena vital y participativa, que estimula la creación, en la cual tengas la satisfacción de tener una pieza exclusiva que te acompaña, es necesario apoyar los proyectos profesionales que se dedican a la selección de obra realmente interesante, que además puedes comprar a precios más razonables de lo que uno pudiera pensar”.

En ese tenor, el formato de Gallery Weekend tiene esa bondad: es la excusa perfecta para visitar muchas galerías en un par de días, pasándotela muy bien al recorrer exposiciones montadas ampliamente y no con las limitaciones de un pequeño booth. 

ATRACCIÓN VISUAL

ALMANAQUE fotográfica presentará el trabajo de Fernando Bayona, quien vendrá de España especialmente para el evento, donde podrás convivir con él mientras comparte su experiencia como profesor, gestor y artista.

De carácter retrospectivo, Aparato de apariencias reúne cuatro series que Fernando desarrolló en la última década, dando fe de la evolución estilística, formal y conceptual que surgió de la necesidad de generar un retrato colectivo de una sociedad desilusionada con su realidad. La teatralidad de sus composiciones y su constante búsqueda de la belleza permiten que lo autobiográfico y lo reflexivo se entrelacen con lo político, lo religioso y lo documental.

José Pedro Croft – Proyecto Paralelo

Un artista mira lo real, él no parte de l ahistoria, él la construye. El pasado es un trabajo inacabado. - José Pedro Croft 

Uno de los principales autores de la renovación escultórica portuguesa, José Pedro Croft (Oporto,

1957), presentará en Proyecto Paralelo un conjunto de esculturas y dibujos que prosiguen su investigación sobre la relación entre la forma y el espacio.

En línea con sus indagaciones sobre las piezas expandidas que se derivan del minimalismo y el arte conceptual, su trabajo se establece desde el punto de vista de lo transitorio, lo inestable y lo que está todo el tiempo en transformación.

“Después de todo el arte conceptual de los años 70 nos sentíamos como unos huérfanos, porque no podíamos seguir con esos gestos tan radicales, entonces queríamos, de alguna forma, regresar a la pintura, la escultura y el dibujo integrando los presupuestos del arte conceptual”, comparte José Pedro Croft, quien vive en Lisboa.

“Yo trabajo el espacio, las relaciones y la estructura interna de la obra escultórica, pero también la ubicación y cómo las piezas son activaciones de la arquitectura y el paisaje, incluso me interesa descubrir qué relaciones crean entre el espectador y su entorno”.

DE LO EXPERIMENTAL A LO VIVENCIAL

Croft se pregunta: ¿Qué pasa cuando el cuerpo del espectador hace como un performance y es activado por el espacio de la obra? Lo interesante está en los matices y las pequeñas diferencias, no en tratar de encasillar la pieza dentro de una línea determinada.

“Decía María de Corral —quien fue directora del Museo Reina Sofía— que hasta los años 80 el arte era alta costura, pero que a partir de ahí pasó al prêt-à-porter, pues la clase media tuvo acceso a comprar y ver el arte que se producía en su tiempo”. Incluso, apareció el Guggenheim Bilbao, el Reina Sofía, la Tate Modern y el Centro Georges Pompidou, una cantidad de museos por todo el mundo que no existía hasta los años 80, y eso cambió la forma de entender el arte”.

Croft emplea pintura industrial de colores vivos, sugiriendo una percepción de la escultura como una pintura en relieve, pero también integra espejos y cristales para jugar con los efectos de la luz, la sombra y los reflejos a fin de crear nuevos volúmenes y un sentido alterado del espacio.

“México es un país que siempre ha sido muy cosmopolita, desde el siglo XVII, desde siempre, y mantiene esa situación de apertura, la dualidad de centro-periferia, con lo cual la gente de aquí piensa en una escala global y eso es muy interesante”.